La composition, c’est tout un art. Il fallait donc bien y consacrer un article complet sur un site d’images… Voici comment composer vos images photographiques ou vidéo, de la façon la plus classique et la plus connue jusqu’aux manières transgressives et originales.
Respecter la proportion 1/3-2/3
C’est une règle classique de la photographie mais qui s’applique tout aussi bien à la vidéo. La règle : en matière de paysage, l’élément auquel vous souhaitez donner le plus d’importance doit occuper 2/3 de l’image, tandis que le reste n’occupe que 1/3 de l’image.
Dans l’image ci-dessus au contraire, on privilégie la mer et le bateau pour mieux décrire l’immensité de l’océan.
Les 2/3 de l’image de l’image ci-dessus vont privilégier le ciel tumultueux si on souhaite stigmatiser l’orage qui s’annonce.
Équilibrer la composition
Une autre règle à respecter est d’équilibrer la composition. Il existe au moins 3 manières de procéder :
Équilibrer la composition grâce à un sujet ou un objet en avant-plan
Un avant-plan ? Un personnage qui déambule dans le cadre ? Instantanément, votre composition va gagner en équilibre. Les avants-plans sont fréquents même s’ils ne s’imposent pas forcément immédiatement au regard. C’est votre rôle de repérer les avants-plans et de caler votre composition d’image en fonction. Attention à la profondeur de champ, il est de mauvais ton que l’avant-plan soit flou tandis que l’arrière-plan est net. Or, si l’automatisme de l’Autofocus s’effectue sur le lointain, votre avant-plan risque d’être flou. Notez qu’un grand-angle augmente la profondeur de champ et facilite par conséquent le procédé.
Équilibrer la composition grâce aux lignes naturelles
Dans notre univers quotidien, les figures géométriques, les alignements de sujets ou d’objets sont monnaie courante mais ne sont pas toujours perceptibles. C’est justement le rôle (et le plaisir !) du photographe ou du vidéaste de repérer, voire de « forcer » l’alignement ou la géométrie des formes, créant ainsi une composition qui n’est pas perceptible par l’oeil qui ne peut ni cadrer ni zoomer !
Enfin, on peut aussi équilibrer un scène grâce à une action, ici un serveur de restaurant qui se déplace à bord d’un bateau.
Procurer de la profondeur avec 3 niveaux de plans
Toutes les images ci-dessus se composent de trois niveaux de plans : avant-plan, plan et arrière-plan. Ainsi, le regard du spectateur est guidé plus facilement. Tentez de composer vos images avec ce genre de triptyque. Attention, le procédé n’est pas magique et ne fonctionne pas à tous les coups. Il implique que les zones de plans soient les plus distinctes possibles.
Règle des tiers et transgression
En matière de composition, le positionnement névralgique du sujet principal dans le cadre est primordial. C’est ce qu’on appelle la règle des tiers. Avec l’avènement de la HD (en 16/9), et de l’UHD / 4K, elle redouble d’intérêt. Héritée de la peinture, elle repose sur une division imaginaire du cadre en 2 lignes horizontales et verticales, constituant 9 « cases » identiques et 4 « points de force ». C’est sur l’un de ces points de force que votre sujet principal, ou votre sujet secondaire, doit se situer. Si c’est un être humain, le point de force correspondra au visage de la personne ou à ses yeux.
Toute règle peut être transgressée, si vous vous en sentez capable. En 16:9, on peut ainsi imaginer une variante en décalant les 4 points de force vers les bords et donner ainsi plus de force aux diagonales.
Règle des 180°
La règle des 180 degrés est une règle très connue mais pas toujours bien respectée. Cette règle est la suivante : lorsque deux personnes se font face, et qu’elles sont filmées selon une logique de champ-contrechamp (c’est à dire en 2 plans séparés), la caméra doit toujours rester du même côté d’une ligne imaginaire qui traverse ces personnes. Autrement dit, la caméra ne doit jamais franchir la ligne des 180°. Sinon, le spectateur perd tout bonnement ses repères dans l’espace.
On peut franchir cet ligne à une seule condition, celle de créer un plan dans lequel on voit distinctement que la caméra passe d’un côté à l’autre au moyen (généralement) d’un travelling. A défaut, c’est à proscrire.
Pour bien vous familiariser avec cette technique du contre champ, il existe une série emblématique qui en a utilisé des milliers avec de temps en temps, des transgressions parfaites selon la technique décrite ci-dessus : il s’agit de la série « En analyse » (In Treatment) avec Gabriel Byrne. La série présente un psychiatre face à ses patients, d’où des champs contrechamps constants tout au long des 106 épisodes de la série !
Composer un cadre dans le cadre, Renforcer l’isolement
Très prisée des photographes, la technique du « cadre dans le cadre » consiste à utiliser un élément du décor qui constitue un cadre en lui-même pour générer ainsi un « cadre dans le cadre ». Ce type de cadrage peut adopter des formes conventionnelles ou très inattendues comme on en découvre quelques-unes ici. Pour repérer un cadre, pas de secret, il faut être observateur mais Dame Nature n’est pas seule à offrir des cadres dans le cadre. Votre sens du positionnement et de la bonne focale à utiliser sont prépondérants car un cadre est une composition que vous construisez vous-même.
Par ces deux vues, le reporter est parvenu à restituer un profond sentiment d’isolement. Bien sûr, ce type de vue n’est possible qu’avec un décor approprié. Mais votre oeil doit s’exercer à recréer ces instants magiques de cadrage !
Filmer avec un décadrage
Le décadrage est une technique très utilisée en photo, un peu moins en vidéo. Elle en possède pourtant la même force. Le décadrage consiste à positionner son sujet au bord du cadre, tout en laissant au spectateur découvrir le reste du lieu qui occupe la majeure partie du cadre.
En vidéo, la difficulté provient du fait que le décadrage doit pouvoir convenir à l’ensemble de la séquence même si un ou plusieurs éléments du cadre sont mobiles. Ici en haut, la voiture serpente le long de la route, permettant au cadrage de rester décentré. De même ci-dessus, la relative immobilité du fidèle dans ce temple hindou permet de le conserver complètement à droite du cadre.
Pour une personne, on peut décadrer de façon conventionnelle, c’est-à-dire en veillant à ce que le regard de la personne se dirige vers la zone du cadre où il y a le plus d’espace. Mais on peut aussi décadrer en opposition, c’est à dire sans que la personne ne regarde spécialement dans la direction où il y a le plus d’espace. Certains réalisateurs comme Nicholas Barker pour son documentaire Unmade beds, exploite à plusieurs reprises de tels décadrages.
Favoriser les entrées de champ, horizon penché
Un moyen simple et astucieux d’imiter les grands réalisateurs de cinéma ou les reporters aguerris, est de se positionner à un endroit déterminé depuis lequel on peut filmer un élément mobile (bateau, voiture, personnage…) au moment où il entre dans le cadre (on dit « dans le champ »). Cette manière de filmer renforce l’esthétisme de la scène et permet de stimuler davantage l’attention du spectateur qui découvre peu à peu le sujet. On peut aussi appliquer ce même principe pour la sortie de champ, c’est-à-dire en laissant l’élément mobile disparaître hors du cadre, sans chercher à le suivre avec un panoramique.
Le corollaire de cette technique est que le cadreur doit se poster de préférence à 90° du sujet et savoir patienter pour saisir le bon moment.
Pour cadrer correctement un paysage, la question de l’horizontalité peut vite devenir la hantise du vidéaste. Car un plan légèrement penché peut passer inaperçu à la prise de vues mais trahit l’opérateur une fois l’image agrandie sur l’écran du PC ou de la TV du salon. Et un paysage légèrement penché, c’est très laid !
Sur un paysage filmé au Téléobjectif, (ci-dessus) plus la focale est longue, et plus les problèmes d’horizontalité vont devenir visibles.
Même sur un paysage capté en position grand-angle (ci-dessus), le défaut d’horizontalité peut se discerner assez nettement, suffisamment pour gêner un oeil attentif.
A noter : La réduction de la taille des camescopes a pour effet d’accroître ce type de problème car l’utilisateur a vite fait de faire pencher légèrement son camescope d’un côté ou de l’autre sans s’en rendre compte.
Pour contrecarrer le problème de l’horizon penché, le Must en vidéo – comme en photo – reste le niveau à bulle double (chez Hama, ou Manfrotto). Cet accessoire permet de contrôler simultanément le niveau de l’axe horizontal et vertical. Il se glisse sur la griffe du camescope à condition que celle-ci ne soit pas encastrée. A défaut, il vous faut acquérir un adaptateur pour griffe de camescope comme ceux que propose la société américaine DM accessories.
Notez que certains trépieds comportent d’origine un niveau à bulle. Mais celui-ci ne couvre que l’axe horizontal et ne gère l’horizontalité que du seul trépied sans garantir celle du camescope. C’est pourquoi, bien souvent, les trépieds moyen et haut de gamme n’intègrent aucun niveau à bulle.
Les fabricants de camescopes proposent désormais également des aides visuelles (ici à gauche). Celles-ci peuvent prendre la forme d’une ligne horizontale blanche ou grise centrale servant de repère ou encore celle d’une grille composée de 2 lignes verticales et horizontales délimitant le cadre en 9 carrés de taille égale. Ce type d’aide reste un dépannage, relativement approprié si le vidéaste peut s’appuyer sur un élément du décor parfaitement horizontal.
On trouve aussi sur certains modèles (Panasonic) une correction de l’inclinaison, qui détecte un défaut d’horizontalité et enregistre la scène en corrigeant le niveau. Pour cela, le système zoome légèrement dans l’image. Si l’inclinaison est très faible, la correction est faible, et le zoom ne se voit pas.
Enfin, les mini-trépieds souples (ici à droite) sont bien pratiques pour garantir l’horizontalité du cadre. Ils peuvent s’installer à peu près partout, même sur une surface non plane. Ils se déplient en très peu de temps, et sont discrets. Ils ne valent vraiment pas cher, environ 15 à 20 euros en général.
